广州美术学院2026年攻读硕士学位研究生招生考试真题答案
科目代码:701艺术理论
满分:150分时间作答:3小时
一、名词解释
1. 设计为人民
设计为人民是一种以人民需求为核心、强调设计的社会价值与公共属性的设计理念，它打破了设计仅服务少数人或单纯追求商业利益的局限，将设计的立足点放在广大人民群众的真实生活需要、精神文化诉求和社会公共利益上。
这一理念的核心内涵包括三个维度：首先，在功能层面，设计应解决人民生活中的实际问题，如公共设施的无障碍设计、日常用品的实用性优化等，让设计成为改善生活品质的工具，而非脱离现实的装饰。其次，在审美层面，设计应尊重多元的审美需求，兼顾大众审美与文化传承，避免过度追求精英化或小众化的审美表达，让设计作品具有广泛的接受度与亲和力。最后，在价值层面，设计应体现社会公平，关注弱势群体，推动公共资源的合理分配，如保障性住房设计、乡村公共空间改造等，使设计成为促进社会和谐的载体。
在实践中，设计为人民要求设计师深入生活、了解民情，将人民的隐性需求转化为显性的设计方案，同时注重设计的可持续性与包容性，平衡经济效益与社会效益，最终实现设计服务于人民、造福于社会的根本目标，让设计真正融入日常生活，成为提升全民生活质量与精神文明水平的重要力量。
2. 诗言志
诗言志是中国古代文学理论的核心命题，最早见于《尚书・尧典》，其核心内涵是诗歌作为一种文学形式，本质上是诗人情感、志向、思想与抱负的表达载体，奠定了中国传统诗学的基本精神与价值取向。
这一命题的发展经历了三个重要阶段：先秦时期，“志” 主要指政治理想与道德追求，与礼乐制度紧密相连，诗歌被视为教化工具，承担着沟通天地、规范人伦的社会功能；汉代《毛诗序》将 “志” 与 “情” 结合，提出 “诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗，情动于中而形于言”，拓展了诗的情感表达维度，使诗歌既重理性志向，也重感性抒发；魏晋南北朝时期，陆机、刘勰等进一步深化了 “诗言志” 的内涵，强调诗歌的个性化表达，将 “志” 与个体生命体验相结合，推动了诗歌从集体教化向个人抒情的转变。
“诗言志” 的价值在于确立了诗歌的抒情本质与人文精神，区别于西方模仿论传统，形成了中国诗歌重 “言志” 与 “缘情” 的独特传统。它不仅影响了诗歌创作，还渗透到绘画、书法等艺术领域，成为中国艺术强调主体精神表达的重要源头，塑造了中国艺术注重意境营造、追求 “言有尽而意无穷” 的审美特质，至今仍是理解中国传统艺术精神的关键切入点。
3. 游戏说
游戏说是解释艺术起源与本质的重要理论，由18世纪德国思想家席勒提出，19 世纪英国哲学家斯宾塞进一步发展，又称 “席勒—斯宾塞理论”，其核心观点是艺术起源于人类的游戏冲动，艺术活动本质上是一种无目的、无功利的自由创造活动。
席勒在《审美教育书简》中指出，人类具有感性与理性两种冲动，游戏冲动是二者的统一，使人摆脱了自然法则与道德法则的束缚，进入自由的审美状态，而艺术正是这种游戏冲动的产物，它以审美形式满足人类的精神需求。斯宾塞则从进化论角度补充，认为游戏是人类过剩精力的发泄，当物质需求得到满足后，剩余精力通过无实用价值的游戏活动释放，艺术作为高级游戏，是人类精神能力的自由展现。
游戏说的贡献在于突破了艺术起源于模仿或劳动的传统观点，强调艺术的自由性与审美性，揭示了艺术区别于实用活动的本质特征，为理解艺术的娱乐功能与审美价值提供了重要视角。但该理论也存在局限，它忽视了艺术的社会属性与功利性维度，以及原始艺术与巫术、劳动的密切联系。尽管如此，游戏说对现代艺术理论影响深远，推动了艺术自律性观念的发展，为理解艺术创作的心理机制与审美愉悦的产生提供了重要理论支撑。
4. 图示矫正理论
图示矫正理论由英国艺术史家贡布里希在《艺术与错觉 —— 图画再现的心理学研究》中提出，是关于艺术再现机制的重要理论，其核心观点是艺术创作并非对自然的直接模仿，而是艺术家在既有图式基础上不断修正、调整，最终实现对对象的再现过程，揭示了艺术再现的心理逻辑与历史脉络。
该理论的核心概念包括 “图式” 与 “矫正” 两个方面：“图式” 指艺术家从传统、文化与经验中习得的视觉框架与表现程式，如绘画中的透视法则、人体比例范式等，它是艺术创作的起点，为艺术家提供了再现世界的基本工具；“矫正” 则是艺术家在创作过程中，根据观察与体验对既有图式进行的调整与完善，通过对比现实与图式的差异，不断修正偏差，使再现更加接近对象的真实形态。
贡布里希认为，艺术史本质上是图式的传承与矫正的历史，不同时代的艺术风格差异源于图式的演变与矫正方式的不同。这一理论突破了传统模仿论的局限，强调了艺术家的主观能动性与文化传统的影响，同时结合心理学研究，揭示了艺术再现的认知过程。在实践中，图示矫正理论为艺术史研究提供了新视角，帮助我们理解艺术风格的形成与变革，也为艺术创作提供了方法论启示，即艺术家应在继承传统图式的基础上，通过观察与实践不断创新，实现艺术表达的突破与发展。
二、论述题
1. 古典空间、结构空间、感性空间是西方空间观念史的三个阶段，请结合具体作品谈谈你对空间的理解。
西方空间观念史的发展经历了古典空间、结构空间、感性空间三个核心阶段，每个阶段的空间观念都与特定的哲学思想、科学技术和艺术实践紧密相连，既体现了人类对空间认知的深化，也塑造了不同时代的艺术形态与审美特征。古典空间以理性秩序为核心，结构空间以科学分析为基础，感性空间以身体体验为中心，三者共同构成了西方空间观念的完整谱系，展现了空间从客观到主观、从理性到感性、从单一到多元的演变过程。通过分析不同阶段的代表作品，可以清晰把握这一演变脉络，深入理解空间观念对艺术创作的决定性作用。
《最后的晚餐》
古典空间（古希腊至文艺复兴）是一种以几何秩序与比例和谐为核心的空间观念，认为空间是客观、稳定、可测量的容器，艺术创作的目标是再现这种理想空间。古希腊建筑是古典空间的典型体现，如帕特农神庙，其平面采用严格的黄金分割比例，柱式排列遵循对称原则，空间布局强调均衡与秩序，体现了 “万物皆数” 的毕达哥拉斯主义思想，将空间视为理性法则的具象化。文艺复兴时期，透视法的发明使古典空间观念得到进一步发展，达芬奇《最后的晚餐》通过单点透视构建了统一的空间秩序，画面中的建筑结构、人物布局都服从于透视原理，创造出真实可信的三维空间，展现了人类对空间的理性认知与掌控能力，此时的空间是客观的、静态的，服务于艺术的再现功能。
结构空间（17世纪至19世纪）以科学理性为指导，强调空间的功能性与逻辑性，将空间视为由规则、结构与系统构成的整体，艺术创作注重空间的分析与建构。这一阶段的代表作品包括法国古典主义园林凡尔赛宫，其空间布局以轴线为中心，通过几何化的花坛、喷泉、林荫道构建出层次分明、秩序井然的空间体系，体现了理性主义哲学对空间的理解，即空间可以通过科学规划实现功能性与审美性的统一。工业革命后，结构空间观念进一步发展，埃菲尔铁塔作为钢铁结构建筑的典范，其空间形态完全由力学原理决定，展现了结构理性对空间的塑造作用，此时的空间不再是单纯的容器，而是由物质结构支撑的功能性场域，艺术创作也从再现空间转向建构空间。
感性空间（20世纪至今）以身体体验与主观感受为核心，认为空间是主体与环境互动的产物，具有多元性、流动性与情感性，艺术创作强调空间的体验性与互动性。现代主义建筑大师赖特的流水别墅是感性空间的早期代表，建筑与自然环境有机融合，空间布局随地形变化，室内外空间相互渗透，让居住者在移动中获得丰富的空间体验，体现了 “有机建筑” 理念，即空间应与自然、人体尺度相协调。当代艺术中，感性空间观念进一步拓展，如詹姆斯・特瑞尔的 “skyspace” 系列作品，通过改造建筑空间，让观众专注于天空的色彩变化，创造出沉浸式的空间体验，此时的空间不再是客观的存在，而是主体情感与感知的载体，艺术创作的目标是激发观众的空间体验与情感共鸣。
西方空间观念从古典空间的理性秩序到结构空间的科学建构，再到感性空间的体验互动，展现了人类对空间认知的不断深化，也反映了社会文化的变迁。古典空间奠定了空间的理性基础，结构空间推动了空间的功能化发展，感性空间则回归了空间的人文本质，三者并非相互取代，而是相互补充，共同丰富了人类对空间的理解。在当代艺术实践中，三种空间观念常常相互融合，如安藤忠雄的建筑作品既遵循几何秩序（古典空间），又注重结构逻辑（结构空间），同时强调空间的光影体验（感性空间）。这表明空间观念的演变是一个不断丰富的过程，而艺术创作始终是探索空间本质、表达空间观念的重要载体，通过艺术作品，我们不仅能看到空间的形态变化，更能把握人类对世界、对自我的认知变迁。
2. 托尔斯泰在《什么是艺术》中说 “好的艺术就是能够把人民能想到但表达不出来的给表达出来”，请结合表现论谈谈你对这句话的理解。
托尔斯泰的这一观点深刻揭示了艺术的本质在于情感的传达与共鸣，而表现论作为艺术理论的重要流派，强调艺术是艺术家主观情感的表现，二者在核心精神上高度契合，共同阐释了艺术的社会功能与审美价值。托尔斯泰认为，好的艺术应突破个体表达的局限，触及人民的集体情感与共同体验，将大众的隐性情感转化为显性的艺术表达，实现艺术家与受众的情感沟通；表现论则强调艺术创作的核心是艺术家的情感表现，艺术作品的价值在于能否引发观众的情感共鸣。结合表现论分析托尔斯泰的观点，可以清晰把握艺术的情感本质，理解艺术如何成为连接个体与集体、表达共同情感的桥梁，以及好的艺术如何实现情感传达的普遍性与深刻性。
托尔斯泰
首先，托尔斯泰的观点与表现论的核心主张相呼应，二者都将情感视为艺术的核心。表现论代表人物克罗齐提出 “艺术即直觉即表现”，认为艺术是艺术家内心情感的直接流露，无需借助理性或功利目的；科林伍德进一步指出，艺术是艺术家 “想象性的情感表现”，旨在唤醒观众的相似情感。托尔斯泰强调艺术要表达人民 “能想到但表达不出来” 的情感，本质上也是主张艺术应表现集体的、普遍的情感，而非个体的、小众的情绪。例如，杜甫的 “三吏三别” 通过具体的战争场景，表现了战乱中人民的苦难与无奈，这种情感是当时广大民众共有的但无法言说的，杜甫以诗歌形式将其表达出来，引发了后世读者的强烈共鸣，这正是表现论所强调的情感表现的普遍性，也是托尔斯泰眼中好艺术的核心特质。
其次，托尔斯泰的观点拓展了表现论的内涵，将艺术的情感表现与社会功能相结合。表现论侧重艺术家的个体情感表达，而托尔斯泰则强调艺术的人民性，认为好的艺术应服务于人民，表达人民的共同诉求。这一拓展使表现论更具社会意义，如俄国巡回画派画家列宾的《伏尔加河上的纤夫》，通过对纤夫劳作场景的描绘，表现了底层人民的艰辛与坚韧，这种情感是当时俄国广大劳动人民共有的隐性体验，列宾以绘画形式将其呈现，不仅是个人情感的表达，更是对一个时代人民精神的展现，实现了艺术的情感表现与社会批判功能的统一，符合托尔斯泰对好艺术的定义，也丰富了表现论的实践维度。
最后，托尔斯泰的观点揭示了艺术情感传达的机制，即艺术通过 “陌生化” 等手法，将熟悉的情感转化为新颖的艺术表达，使人民的隐性情感得以显现。表现论认为，艺术创作需要将抽象的情感转化为具体的艺术形式，如色彩、线条、语言等。例如，贝多芬的《第九交响曲》以宏大的音乐结构、激昂的旋律，表现了人类对自由、平等、博爱的追求，这种情感是人类共有的但难以言说的，贝多芬通过音乐语言将其表达出来，让听众在震撼中感受到情感的力量。这一过程正是托尔斯泰所说的 “把人民能想到但表达不出来的给表达出来”，而表现论则为这一过程提供了理论解释，即艺术通过形式创造，使情感获得可感知的载体，实现从隐性到显性的转化。
托尔斯泰的观点与表现论相互补充，共同揭示了好艺术的本质：艺术不仅是艺术家个体情感的表现，更是集体情感的传达，其价值在于能否将人民共有的、隐性的情感转化为显性的艺术表达，引发广泛共鸣。这一认识对艺术创作具有重要启示：艺术家应深入生活，关注人民的真实情感与诉求，以真诚的态度进行创作，避免脱离现实的形式主义或功利主义；同时，应注重艺术语言的创新，以独特的形式表达普遍的情感，使艺术既具有个性，又具有普遍性。在当代社会，这一观点依然具有现实意义，如现实主义题材的影视作品，通过真实的生活场景与人物塑造，表现了普通人的奋斗与坚守，引发了观众的情感共鸣，正是托尔斯泰观点与表现论的生动实践，证明了好的艺术始终是连接个体与集体、沟通情感与现实的重要纽带，能够跨越时间与空间，成为人类共同的精神财富。
